Bibliothèque

ISBN : 2110913983

Avertissement.

Ce manuel est rédigé, aussi bien, l’attention des conservateurs des restaurateurs du Patrimoine, que des muséographe, scénographe, régisseur et techniciens éclairagistes. Chacun pourra y puiser les éléments qui les recherchent suivant les besoins du moment. Il se compose de trois parties suivantes :

- la première partie traitant de la photométrie et des sources en constituent néanmoins la base commune pour tous ;

- la seconde partie consacrée à la colorimétrie trouvera sa pertinence auprès des restaurateurs, ingénieur et régisseur lumière ;

- la troisième partie sur la technique de l’éclairage muséographique intéressera plus particulièrement les conservateurs, architecte et techniciens muséographes.

ISBN : 208011588X

La Renaissance a invent de nouvelles formules et un nouveau langage architectural. La priode dite " baroque " reprend et amplifie ces formes avec une rhtorique spectaculaire propre magnifier la force retrouve d'une glise catholique revivifie par la Contre-Rforme, en mme temps que la nouvelle puissance des tats europens, la richesse de leurs lites et la gloire de leurs monarques. Rome et Naples, Paris et Versailles, Vienne, Prague et Dresde se couvrent d'glises somptueuses et de palais prestigieux, mais aussi de demeures prives de plus en plus belles et confortables. Frdrique Lemerle et Yves Pauwels analysent les formes de l'architecture des XVIIe et XVIIIe sicles ainsi que les conditions du dialogue permanent entre commanditaires et architectes qui en permit la ralisation. Les protagonistes en sont d'un ct les papes Borghse, Barberini ou Pamphili, Richelieu, Colbert et Louis XIV, les rois d'Espagne, les empereurs d'Autriche et les tsars de Russie, de l'autre les crateurs, Pierre de Cortone, Borromini, Bernin, Mansart, Le Vau, Gabriel et tous les artistes qui, entre " baroque " et classicisme ", donnrent l'art europen l'une de ses plus blouissantes parures.

ISBN : 284876015X

« La photographie à développement instantané accompagne André Tarkovski dans la dernière partie de son oeuvre : en Russie lorsqu’il mûrit la décision de quitter pour toujours sa patrie, et en Italie, lorsqu’il tourne avec Tonino Guerra Temps de Voyages et Nostalgihia, en cherchant un lieu où se construire une demeure rien que pour lui, une maison pouvant accueillir non seulement sa femme Larissa, en exil avec lui, mais aussi son fils Andreï et son chien Dak, resté douloureusement loin, otages du pouvoir soviétique.

Ces images en couleurs sont encore plus petites que celle en noir et blanc que renferme l’agenda des souvenirs ; mais c’est précisément de cette petite dimension, à la limite extrême de la visibilité, que jaillisse toute la force et la douceur de la lumière qui les a modelés à travers les yeux et le cour de l’auteur, en demandant l’humble geste de se rapprocher et de se pencher vers elle avec attention. »

Giovanni Chiaramonte

Halifax, comédie mêlée de chant, en trois actes, avec un prologue, par Alexandre Dumas, représentée pour la première fois, à Paris, sur le Théâtre des Variétés, le 2 décembre 1842.

Meyerhold - World of Love. Meyerhold is as great, as incomprehensible. The drama of Master’s destiny may be compared only to the drama of his Art. And in this respect, the only thing we should do is to repeat Nikolaï Gogol’s words and explain « Now, I can’t stand it any more … Give me another pen. My pen is languid, dead and to weak for this canvas ». This year marks the 130th anniversary from Vsevolod Meyerhold’s birth, the 130th anniversary from the birth of his wife and mother of his three daughters - O. M. Munt; the 110th anniversary from the birth of his second wife Zinaïda Nikolaïevna Raih (Reich) the « adored Ninotchka ») - the actress of State Meyerhold’s Theatre; the 80th anniversary from the birth of Meyerhold’s grand daughter - Maria Alekseevna Valency, the winner of State Premium of the Russian Federation, whose selflessness has allowed us not only to pronounce Meyerhold’s name, but also study his heritage, and visit the native house in Penza, to come to his flat at 12, Brusovsky lane in his memorial apartment-museum. Here, in « Master’s Space », a new exposition named « Meyerhold. World of Love », has been opened. Thee cards included in this section - are only a small part of exhibits among witch are sketches of scenery, models, suits created by prominent theatre artists for Meyerhold’s plays, rare books from his library, personal things and pieces of interior from the flat in Brusovsky, witch were saved by miracle, manuscripts and photos - many of them are unique and published for the first time. Today Meyerhold’s creative works are on programs of nights schools. His discoveries in many respects have determined the development of modern Theatre of the World. E. Vahtangov asserted prophetically « Meyerhold has laid down the roots for the theaters of the future. and the future will reward him ». At the same time, the everyday family life of « Frantic Master » always remained in shadow. We are not talking about lesser narrow-minded curiosity, about « unimaginable absurdity of the street » witch, as Boris Pasternak was used to say disgustedly, tried to touch Meyerhold and Raih. But the talk is about Love. Hight, passionate and pure. …

Dire de Tadeusz Kantor qu’il est l’un des plus éminents artistes polonais de la deuxième moitié du XXe siècle, c’est bien peu de choses. Pour l’art polonais, Kantor signifie ce quiesignifie Joseph Beuys pour l’art allemand ou encore Andy Warhol pour l’art américain. Auteur d’une vision nouvelle, tout à fait indépendante du théâtre, participant actif des révolutions de la néo- avant-garde, théoricien de l’art peu commun, innovateur solidement enraciné dans la tradition, peintre anti-picturale, happener-hérétique, concepteur ironique : voilà quelques-uns des multiples visages de cet « artiste total ». Tadeuz Kantor fut en outre un animateur un inlassable de la vie artistique dans la Pologne de l’après-guerre, il en fut l’une des principales forces motrices. Ce ne sont pas exclusivement ses ouvres qui décident de sa grandeur, mais lui-même, considéré dans sa totalité, tel un Gesamtkunstwerk spécifique englobant son art, ses théories et sa vie.

Jaroslaw Suchan, commissaire de l’exposition Tadeuz Kantor - L’impossible

ISBN : 2203620013

Cent ans de vie ininterrompue, pour un théâtre dépourvu de l’avantage d’une situation en ville et d’un public potentiel important, sentant déjà d’utopie ! Voilà qui justifie qu’on en recherche l’explication, surtout lorsque cette utopie se prolonge. Le Théâtre du Peuple possède des caractères originaux très fort qui attirent des artistes capables de lui apporter leur vision dans un esprit de fidélité à son message initial. L’originalité et la permanence des caractères du Théâtre ont facilité son renouvellement ; aucune étape, aucuns virages n’affectèrent sa vocation.

Pierre Richard-Willm, Tibor Egervari, les directeurs artistiques de ces dernières années et tous les participants (comédiens, techniciens …) ont eu le même désir d’entrer dans un le jeu du Théâtre, avec respect, avec ferveur. Qui ne ressent « l’esprit de Bussang » ne peut s’y intégrer durablement. Cet esprit de Bussang est également partagé par le public, fidèle et partisans.

Jadis, l’oeuvre de Maurice Pottecher cimentait le rapport établi entre le public et la troupe ; malgré l’ouverture du répertoire à d’autres auteurs, le rapport à l’oeuvre originelle s’est maintenu. Le public, formé de toutes les catégories sociales - et qui mérite d’être appelé populaire - exprime des réactions sincères et libres de toute convention. Bussang peut être fier de conserver et d’élargir un tel public. Cette relation étroite avec son milieu et également nourri par la présence d’amateurs et de professionnels.

Pour la plupart des spectateurs, se rendre à Bussang suppose parfois un long trajet. Retrouver ce paysage forestier Montaigne constitue un dépaysement que renforcent des représentations données l’après-midi. La fête du spectacle, liée à son émotion, constitue un rite est un « pèlerinage ». Dans la conception de ce btiment en bois (à la fois grange et cathédrales !) Au mur de fond de scène ouvrant sur la colline boisée - et plus particulièrement dans le plan de la salle - règne l’esprit de la nature et du spectacle populaire, telles que l’exprimer des grandes références de Maurice Pottecher : théâtre antique, théâtre élisabéthain, théâtre wagnérien de Bayreuth.

Site, public, aura du souvenir, architecture … les éléments de l’originalité du Théâtre du Peuple sont d’ordre matériel et moral. C’est leur cohérence qui assure le secret de sa durée.

ISBN : 2913661203

La création artistique de Josef Nadj s'organise autour d'un ensemble de motifs qui reviennent constamment et qui, pour la plupart, s'enracinent dans son enfance. Au jeu des questions, Josef Nadj répond par des histoires. Allégories ou métaphores ouvertes, suspendues. Ce texte de Myriam Blodé, accompagné de 75 photographies et dessins de Josef Nadj, restitue ici quelques-unes de ces histoires, évite la chronologie et l'analyse systématique des pièces pour faire apparaître la cohérence de l'ouvre scénique et plastique. Inviter à une traversée de son univers, en suivant le fil des motifs et surtout de ces figures qui le « hantent positivement ».

ISBN : 9788070082294

The monograph examines the scenographic work of the Czech stage designer and architect Josef Svoboda (1920–2002), from his first efforts as an amateur in his native town of Čáslav, to his final production in 2002. It endeavours to record his most important undertakings – his work at the Grand Opera of 5 May in Prague, overcoming socialist realism at the National Theatre in Prague, the golden years with Alfréd Radok and Otomar Krejča at the same theatre, the genesis, successes, and fate of Laterna Magika, entry onto the great world stage of opera and ballet, and work with prominent world directors in drama. In the case of Josef Svoboda, it is not enough just to name and describe the productions he worked on, as an integral part of his work and world fame were his discoveries in the field of new theatre technologies. Expanding his ‘scenographic alphabet’, as he himself described the arsenal techniques that modern theatre can use in stage design, became his lifelong obsession. Better knowledge of Svoboda – the architect – should be provided by a chapter on his unrealised projects for theatre buildings. An important and innovative part of this monograph is the complete list of his works accompanied, wherever possible, by a small informative picture on each entry.

Agne Beijer - suivi de Compositions de rhétorique de Don Arlequin - présentées par P.L. Duchartre. Recueil de plusieurs fragments des premières comédies italiennes qui ont esté représentées en France sous le règne de Henry III: recueil dit de Fossard, conservé au Musée national de Stockholm. Editions Duchartre et Van Buggenhoudt. Paris. 1928. Couverture papier d'origine, en feuillets, non relié. Non coupé. 36 pp. de texte (les 2 dernières pages sont vierges) + 62 pp. de planches en noir et blanc, et 8 en couleurs; 42 x 29 cm.

ISBN : 2249278326

Ce livre de techniques pour la décoration par excellence, créatif et nouveau, présente des centaines de décors originaux, de choix de couleurs et de variantes de styles. Chacun d’eux est spécialement construit,. Et présenté par l’auteur. Vous trouverez aussi des instructions détaillées, facile à suivre, sur le matériel, les matériaux et leur mise en oeuvre.

Grand Théâtre de Verviers

ISBN : 2912017343

Outil indispensable à tout technicien de scène, ce manuel de machinerie permet approche pratique des différents systèmes de cintres, ainsi que la compréhension et le calcul des lois physiques et mécaniques s’y appliquant. La tr aduction française du remarquable travail deJay O. Glerum tirer qu’il réactualise approfondit sans cesse depuis 20 ans - prends garde de s’adapter étroitement aux réalités et aux normes européennes les plus récentes. En cela, voici enfin un ouvrage permettant de se familiariser, de progresser et de maîtriser la machinerie scénique, dans un total respect de la sécurité et des règles de l’art.

Théâtre de Reggio Emilia

Préface.

L’oeuvre de Nicolas Gogol occupe dans la littérature russe une place prépondérante. Véritable initiateur, cet écrivain de génie a su s’arracher aux conventions d’un romantisme décadent, pour trouver dans la description des hommes et des moeurs de son pays une source inépuisable d’un art réaliste et fécond.

Né le 20 mars 1809 à Sorotchinsk, petite bourgade de la province de Poltova, Nicolas Gogol passa son enfance dans la propriété de ses parents. Avec son grand parc et son étang, la maison familiale où régnait une vie calme et patriarcale, devait rappeler le décor désuet charmant décrit plus tard par Gogol dans cette délicieuse nouvelle : Un ménage d’autrefois.

Dès son enfance Nicolas Gogol s’est sentie attirer vers la scène. Ce got du thétre, il doit d’abord à la fréquentation des spectacles populaires ukrainiens, ensuite à l’influence de son père Vassili, homme de goût, passionné de thétre, auteur de comédies inspirées du folklore ukrainien, qu’il monte et interprète lui-même en petit russien, dans les thétres privés de ses amis.

Ces spectacles aussi certainement laissés une trace profonde dans l’esprit du jeune Gogol.

Au lycée de Niégine où ses parents le placent à l’ge de 11 ans comme interne, il participe avec ardeur à tous les spectacles scolaires et interprète avec succès les rôles de composition les vieillards du répertoire.

Doué d’un esprit vif et mordant, Google acquiert très vite, malgré son got de la solitude, un grand ascendant sur ses condisciples. lève assez médiocre, il consacre presque tout son temps à la lecture. Dès la troisième année de ses études, ses camarades le nomment bibliothécaire du lycée. Ce cotisant pour faire venir les dernières nouveautés, les jeunes gens font ainsi connaissance avec les auteurs contemporains : Joukovsky, Batiouchkov, Pouchkine surtout dont le célèbre roman envers Eugène Oneguine vient de paraître.

Sous l’influence de ces lectures, Gogol écrit ses pr emiers essais poétiques et participe à l’élaboration de la revue manuscrite Le Météore de la lLttérature que font paraître les élèves du lycée.

Mais ces exercices littéraires ne content guère à ses yeux, l’ambition de Gogol adolescent est plus vaste, il veut servir son pays, trouver un emploi où il pourrait être utile à l’humanité. La vie étouffante de la province commence à lui peser, il rêve de la capitale, la carrière brillante qu’il attend là-bas. Aussi, après la mort de son père, il refuse de suivre les conseils de sa mère, qui voudrait le voir s’installer dans leur propriété de Vassilievka. Et un terminé ses études au lycée en 1828, après un court séjour auprès de sa mère, il part pour Saint-Pétersbourg, impatient de réaliser cses projets d’avenir.

…

André Barsacq

ISBN : 2851081977

« … Car il est écrit que tout est machine, de l’atome à la galaxie et que seule la machine est éternelle ». Tea conclusion de l’histoire du monde, relaté par le roi Armoric à une époque indéterminée du futur, dans un récit de Stanislas Lem. Selon cette fiction, nous sommes à mi-chemin de l’histoire de l’humanité et de la machine, à une étape pour l’homme construit toujours les machines. Cette étape précède la création de machines intelligentes qui, à leur tour, concevons des machines parfaites.

La préoccupation de l’homme de créer ces machines intelligentes et le sujet de ce livre. Répertoriés comment beaux, ces machines ont déjà envahi la majeure partie des activités humaine, littérature, cinéma, art, sexe, bandes dessinées, je, guerre, enseignement, médecine, industrie et science. Les robots focalisent l’intérêt des écoliers, des financiers, des ministres, des syndicalistes et des philosophes.

Conçu, du moins en partie, à l’image de l’homme, les robots sont devenus responsables de multiples problèmes, car l’homme, ayant construit le robot, s’est mis à ce défier de cette nouvelle image de lui-même, de cette personnification de ce qu’il est et fait. L’homme a éprouvé tout aussitôt un sentiment profondément ambivalent à l’égard de sa création ; le robot lui est apparu comme une sorte de personnes « sous privilégiés ». Dans la littérature le robot est devenu la métaphore du citoyen « non à part entière ».

Parce qu’il est fait de métal, parce qu’il n’a pas subi les lois de l’évolution, parce qu’il pense en termes de transistors, plutôt que de composer protoplasmnique, le robot est presque toujours traité avec condescendance, même s’il fait preuve de qualités surhumaines, d’une grande loyauté et de nombreuses aptitudes.

C’est en réaction aux très nombreuses récits où les robots deviennent les tueurs qu’Isaac Asimov écrivit son ouvrage Three Laws of Robotics, 1940. Cet auteur a toujours décrit les logos comme des créatures inoffensives, effectuant des tches qu’on leur assigne. Le robot, « incapable de nuire à l’homme, a été toutefois pris comme victime par les êtres humains, qui souffrant du complexe de Frankenstein », ont considéré les pauvres machines comme de terribles et dangereuses créatures ». La firme U.S.Robot and Mechanical Men, Inc., où tous les rebords des récits d’Asimov sont fabriqués, tente de vaincre les préjugés du public en instituant des visites hebdomadaires de l’usine pour tous ceux qui seraient intéressés.

Puisque ces robots intelligents ont le don d’ubiquité et sont devenus indispensables dans de nombreux secteurs, une révision de leur statut peut être envisagée. Auront-ils des droits civils ? Seront-ils reconnus comme nos semblables ? Y aura-t-il des robots mles et des robots femelles ? Les deux premières questions ont fait depuis longtemps déjà l’objet des méditations des philosophes. La question du genre des robots à refus de surprenante réponse de la part d’un groupe d’écoliers londoniens. Les garçons considèrent qu’un robot est du genre neutre ; les files considèrent comme masculin, d’autres ont conclu : du genre féminin, peut-être ? Dans la mesure où la machine serait appelée à servir un homme !

La suprématie des robots sur les êtres humains n’est plus mise en doute dans les démonstrations d’endurance, de force, de fiabilité : mais il existe d’autres domaines où les gens accordent leur préférence aux machines. Dans les récits littéraires notamment, car les machines peuvent se montrer extrêmement loyales et dévouées, et dans la vie réelle, peut-être parce qu’elle ni maître pas de jugement de valeur.

Les prédictions sur l’usage des robots dans la maison, l’usine, et dans la conquête de l’espace, ne peuvent être contredite. Mais les révélations du temps qui nous sépare de leur réalisation a été trop optimiste. Quel qu’il soit, il est déjà évident que l’homme a peu à craindre des robots mais qu’il pourrait plutôt craindre un avenir sans eux !

…

ISBN : 291412404X

Étude exhaustive de l'oeuvre de Dominique Bagouet, l'ouvrage d'Isabelle Ginot présente suivant l'ordre chronologique les différentes créations du chorégraphe. Chaque chapitre alterne analyse des pièces et suspensions réflexives permettant de faire le point sur les enjeux esthétiques propres à chacune des périodes. Cet ouvrage est issu d'une série de travaux de recherche dirigée par Michel Bernard (Département danse de l'université Paris VIII). Un document éclairant l'oeuvre de l'artiste, doublé d'un texte de référence mettant en place les premiers éléments pour l'analyse chorégraphique.

ISBN : 9781785004438

Working at the heart of theater production, the stage management department is responsible for the smooth running of the show from day one of rehearsals to final curtain on the last performance. Stage Management examines, in depth, the roles and responsibilities of this indispensable team, including organizing rehearsals and performances, working with directors and designers to realize their creative ideas, and supporting the cast and other technical departments.

Conditions de vente :

1. Ce catalogue annule tous les précédents.

2. Les caisses d’emballage sont facturées, mais reprise au prix facturé, à leur retour chez moi par les destinataires et renvoyées « Franco ».

3. Toute réclamation pour être valable, devra me parvenir dans les huit jours de la livraison.

4. Je me réserve le droit d’apporter des modifications au modèle du catalogue.

5. Les marchandises sont expédiées aux risques et périls du destinataire.

6. Sauf stipulation contraire, le retard dans l’exécution des commandes ne peut servir de prétexte pour refuser des marchandises, ni donner droit à une indemnité.

7. La maison ne reprend pas les articles spéciaux faits sur commande.

8. Les rentrées acceptées par mois, ne sont portés en avoir au client, qu’après la rentrée des marchandises, sur les factures créées pendant le même mois.

ISBN : 2856040292

le Comité de rédaction s’est efforcé de conserver les définitions du Vocabulaire International de l’Eclairage - quatrième édition (1987) - commune à la Commission Internationale de l’Eclairage et à la Commission Electrotechnique Internationale. Dans ce cas, la traduction en anglais du terme, objet de la définition, est donné. Les compléments apportés sont indiqués par une impression en italique.

ISBN : 2912017041

mémentos du spectacle,

une collection Asdec.

L’information et la qualification des professionnels intervenants dans les champs de la création et de l’action culturelle suppose la meilleure diffusion possible des publications spécialisées les aidant à exercer leurs différentes activités.

Agissant déjà dans leurs disciplines respectives, plusieurs éditeurs dont les Editions AS (« Actualité de la Scénographie »),l’IRMA (« L’Officiel de la Musique », « Profession Artiste »), ont décidé de regrouper leurs moyens et leur savoir-faire pour des opérations transversales.

Ainsi est née l’idée de cette collection de fascicules pratique consacrés à des questions scéno-techniques, de réglementation de sécurité et de pratiques professionnelles, valable pour l’ensemble du secteur.

Ce quatrième numéro, consacré à la sécurité de l’individu au travail, dresse un inventaire des outils utilisés, des moyens pratiqués et déréglementation à appliquer.

ISBN : 2070533824

«Ils l'endorment, leur public, avec leurs pièces de musée, leurs tragédies d'antiquaire et leurs malheureuses momies en peplum qui s'égosillent sans bouger ! Tandis qu'ici, aux Funambules, c'est vivant, ça saute, ça remue.» Le ton est donné : à côté du «grand théâtre», existe une tradition du théâtre populaire, particulière à Paris, qui remonte à la fin de l'Empire. Et depuis deux siècles, autour de ce genre théâtral, se sont déroulées en parallèle une histoire littéraire, une histoire du spectacle et une histoire sociale. Une sorte de ménage à trois, entre auteurs, acteurs et public. À l'orchestre ou au poulailler, aux Variétés ou à la Porte Saint-Martin, on vient rire, sourire ou s'émouvoir aux nouvelles pièces de Labiche, Feydeau, Guitry, Pagnol, Anouilh ou Poiret, et applaudir Frédérick Lemaître, Hortense Schneider, Pauline Carton ou Michel Serrault, Claude Brasseur et Rosy Varte.Cet art de vivre des soirées au théâtre est retracé par Olivier Barrot et Raymond Chirat qui l'affirment très haut : rien ne vaut une bonne intrigue, une bonne réplique. Les portes claquent et le ton monte : «Ciel, mon mari !»

ISBN : 2879005981

Georges Méliès (1861-1938), dessinateur, magicien, directeur du théâtre Robert-Houdin, a réalisé plus de 500 films entre 1896 et 1912. Il a ouvert â la cinématographie les portes du rêve, de la magie, de la fiction ; il a accompli un acte fondateur en unissant l'univers de Robert-Houdin, maître de l'illusionnisme, aux images animées de Marey et des frères Lumière. Toute son oeuvre est un mélange explosif et unique de fantasmagorie, d'illusions, de flammes et de fumées soigneusement coloriées au pinceau ; tout semble avoir été conçu et utilisé par ce virtuose de la technique, qui préfigure George Lucas et Steven Spielberg. Cet ouvrage, riche en documents inédits, se structure autour du célèbre Voyage dans la Lune (1902), dont on fête le centenaire, et explore les relations étroites qui se sont très tôt nouées entre la magie et le cinéma naissant.

ISBN : 2228304514

Stanislavski qui fut le créateur du Théâtre d’Art de Moscou, est l’un des grands noms du théâtre contemporain et son livre célèbre sur la formation de l’acteur est resté l’un des classiques sur l’art du comédien.

Dans la préface de cet ouvrage, Jean Vilar montre à quel point le style de Stanislaski, son exemple, son école, sa méthode, ont marqué à jamais le monde du théâtre et ses plus brillants représentants : Rouché, Copeau, Antoine et bien d’autres.

Note de l’éditeur.

Qui croirait que Liège comporte 119 salles de spectacles, pouvant accueillir 38 887 personnes ?

Cet ouvrage constitue l’édition, réactualisé, du mémoire présenté par Marc de Laval, en juin 1984, à la fin de ses études à l’Académie Royale des Beaux-Arts de la ville de Liège.

Le volume est publié dans le cadre du Festival du Jeune Théâtre de Liège et de la Communauté Française de Belgique.

La publication est le fruit d’un pur hasard : auteurs et éditeurs patientaient devant une photocopieuse encombrée ; la conversation s’est engagée et l’idée a surgi … Idée de publication, idée de collection à suivre.

La photocopieused’IPL aurait-elle été libre que cette recherche n’aurait peut-être pas été publiée ; tout hasard était favorable, et cette étude de la scène liégeoise ayant une valeur capitale, nous vous invitons à ouvrir son rideau.

Guy de Pierpont

ISBN : 9782330019495

Depuis 1975, le métier de scénographe s’affirme. Pourquoi ? Quelles en sont les figures majeures ? A travers trois réalisations incontournables du travail de 52 scénographes présentés dans ce livre se dessine une conception de l’espace - née de la scène théâtrale mais allant jusqu’aux salles de spectacles, en passant par le cinéma, l’exposition, l’opéra ou l’urbanisme - qui impose la scénographie comme un indispensable regard. Ses portraits sont complétés par 163 notules biographiques et une large bibliographie.

Un ouvrage collectif sous la direction de Luc Boucris et Marcel Freydefont, avec Jean Chollet, Véronique Lemaire et Mahtab Mazlouman.

Mettre à disposition d'un large public toutes les images sur Dominique Bagouet, chorégraphe trop tôt disparu fin 1992, c'est le défi que nous avons relevé avec les carnets Bagouet, gardien de ces précieuses archives audiovisuelles. La collection en 29 volumes que nous présentons permet ainsi de revisiter entièrement l'œuvre de ce créateur hardy, une œuvre qui fait date dans la danse contemporaine par la variété de ses recherches chorégraphique. Un dossier complet préparé par Chantal Aubry et Isabelle Ginot.

ISBN : 2904341021

Le tout réduit à ces fragments.

Entrevue comme manifestation du spectacle de la nature, de la technologie et de l’art, la lumière devenait à l’évidence un thème pour notre travail.

Mais notre assurance estompa au moment de saisir l’objet à représenter : impalpable, abstrait et pourtant nous servant de toutes parts ; objective, mesurables, quantifiables et pourtant nous confrontant à toutes les illusions.

L’exercice de la pensée brisa vite l’évidence de l’image préalable ne nous laissant percevoir que des fragments colorés, des ombres et des mirages. La séduction n’en était que plus forte. Fasciné, nous étions contraints à une vision multiple, parcellaire, subjective, nous rendant fébriles et modestes.

Ainsi, notre travail s’est-il apparenté à la construction d’un kaléidoscope, en ce sens qu’il a produit un volume contenant une série de textes et illustrations disposées dans une configuration géométrique et entre lesquels se sont glissés des fragments de vers et de proses brillant et colorés.

l’intérieur de ce dispositif le glissement du regard peut conduire à une lecture multiples, symétriques et changeantes, à effet de connaissances ou de distraction.

Claude Malric

ISBN : 9782854955187

Un lieu de mémoire, mémoires d'un lieu...Pour célébrer la réouverture de la salle Richelieu après un an de travaux, les éditions Artlys et la Comédie française s'associent pour publier un beau livre de référence retraçant l'histoire de ce théâtre véritablement mythique. Située dans le quartier du Palais-Royal à Paris, la salle Richelieu, chef-d'oeuvre d'architecture théâtrale de Victor Louis, abrite depuis 1799 la troupe de la Comédie-Française. Cent fois rénovée, restaurée, parfois défigurée, cette salle recèle en ses murs une histoire riche et passionnante que nous raconte en détails Jacqueline Razgonnikoff, ancienne bibliothécaire de la Comédie française. Cet ouvrage extrêmement documenté est la somme des recherches entreprises par cette familière des lieux et propose un témoignage complet sur la Comédie-Française. De la construction de la salle de la rue Richelieu aux derniers travaux, de la scène aux coulisses, des grandes figures d'acteurs ou d'auteurs à la vie de la troupe en passant par l'évolution du public et tous les métiers qui ont forgé l'histoire de ce lieu exceptionnel, ce beau livre fait revivre plus de 200 ans d'histoire du théâtre en France.

ISBN : 2858823588

La fascination de l’homme par l’automate ne date pas d’aujourd’hui. Quel est de toutes les époques et ses premières manifestations sont apparues à l’origine des civilisations de l’Antiquité : l’égyptienne, la chaldéenne, la grecque.

Dans les premiers ges historiques, l’automate impressionna les foules d’alliant les prestiges de la séance aux attraits du ministère, la science étend celle de la mécanique, le mystère étend celui du mouvement d’objets inanimés par nature. Ainsi devenait-il un agent de soumission à la cause que vous les servir le maître de l’automate, lequel faisait croire à l’intervention du surnaturel.

Plus tard, les fabricants d’automates cherchèrent plus simplement à répondre aux gots des amateurs de curiosité, publiques ou privées.

Aujourd’hui, le développement du mouvement automatique ne connaît plus de bornes puisque toute l’informatique lui appartient, depuis la calculatrice de poche jusqu’à l’appareil orienteur des fusées qui explorent notre univers.

il faut, cependant, certains conscrits cette étude et la limiter à ce qu’il est convenu d’appeler « aux tomates » dans le langage courant, c’est-à-dire, selon la définition du Petit Larousse : « une machine imitant le mouvement d’un corps animé ».

Ce domaine est vaste. Il commence au statut truqué des divinités antiques pour aboutir au robot de la science-fiction en passant par les héros mythologiques des grottes de la renaissance, les androïdes-phénomènes de Vaucanson et de Jacques-Droz et les merveilleuses créatures dont les photos accompagnent ce texte : les clauses, les joueurs de flte, les danseuses de cordes, les écrivains des Rouillet-Decamps, des Vichy, Lambert, que se disputent à très haut pris les collectionneurs du monde entier.

ISBN : 2858221154

« patrimoine au présent » se propose de retrouver l’esprit des lieux, de les faire revivre à travers leur histoire, de susciter, à partir de vestiges et de monuments du présent, l’imagination du passé. Chaque ouvrage de la collection s’appuyant sur les acquis les plus récents de la recherche, S’organise autour d’un thème privilégié, pour ajouter au plaisir d’une découverte active du site.

Enjeux d’un conflit de pouvoir entre tout-puissant gouverneur, le maréchal duc de Richelieu, une municipalité fière de son opulence, des spéculateurs avides et un intendant soucieux des deniers publics, le Grand Théâtre de Bordeaux fut inauguré le 7 avril 1780. Le chantier, qui devait être achevé en deux ans, en avait duré six ! Objet de l’admiration unanime de ses contemporains, le chef-d’ouvre de l’architecte Victor Louis témoignée par sa conception et ses parti pris technique de l’art de vivre d’un siècle et prix de plaisir et de spectacles.

Au fil du temps, au gré des modes, à travers les avatars des restaurations successives du prestigieux édifice - de la destruction du décor de Louis dès 1799 jusqu’à son exemplaire restauration en 1991 - se lit l’évolution des mentalités et des goûts. Miroir de la société, cet espace magique du plaisir et de l’illusion et le lieu du paraître. Une société s’y montre et investit progressivement la salle par le biais des clubs et des cercles. Mais il arrive que Molière, Rossini et Bizet cesse de dispenser leur enchantement, aux heures sombres, lorsque l’Assemblée Nationale doit se réfugier à Bordeaux…

Christian Taillard est professeur d’histoire de l’art et directeur du Centre d’études et de recherches sur le classicisme dans l’art moderne à l’université Michel-de-Montaigne-Bordeaux III.

ISBN : 0878300821

The McCandless method is a particular approach to providing stage lighting, first proposed in his book, A Method of Lighting the Stage, which has been through several editions. The McCandless method is still in wide use today.[1]

In the McCandless method, the actors are meant to be fully front lit but also provided with some "sculpting" of the features. Full lighting is provided by at least two lights from opposite sides, above the plane of the actors by about 45 degrees and approximately 90 degrees apart. These two lights come in from opposite directions. Top lighting may also be used for fill, as may limited footlights. McCandless described these angles as being the diagonals of a cube in the center of the acting area.[2]

However, the key to the McCandless method is that one light of the primary pair is "cool" relative to the other. One may be blue (a cool color, i.e. higher kelvin temperature) and the other amber (a warm color, i.e. lower kelvin temperature). Thus, one fills the shadows left by the other in a way that produces a degree of depth which is striking and recognizable on the stage, similar to stage makeup in the way it exaggerates and clarifies the actors' faces.

This method of pairing a warm lantern with a cool lantern simulates sunrise in an outdoor environment, as in real life, giving the production a naturalistic (notion of realism on stage invented by Constantin Stanislavski) feel, thereby producing intimacy of the play with the audience. This coupled with the depth created, enhances the facial features of the actors, enabling them to convey emotion more effectively than before.

This comparison of warm and cool also enables the lighting designer to shift the balance of the warm and cool lanterns in accordance of what time of day it is. For example, if a scene was set in the middle of the day, the warm and cool lanterns would be equally bright, so the shadows created would be filled equally by warm and cool light, giving the actor's face a balanced look similar to that of standing outside in the middle of the day. However, as it becomes later in the day, the cool lantern would become brighter than the warm lantern, so the light upon the actors face becomes cooler overall, suggesting to the audience that the time has shifted into the evening, without any mention of time in the scene itself.

To be totally realistic in this representation of daylight, four lanterns should be used to cover one area of the stage, in two pairs at 45 degree angles, so on each side of the actor's face both a warm and a cool light would be present. This would enable the lighting designer at midday to switch the warm light from one side of the actors face to the other, simulating the sun passing overhead in real life, enhancing the realism.

Alternatively, this effect can be achieved with two lanterns equipped with scrollers (a device which fits on the end of the lantern capable of holding different colour gels and switching them during the performance) each containing a warm and a cool gel. However, scrollers are renowned for breaking unexpectedly in the middle of shows, and are also very noisy in operation, making them often unsuitable in a quiet venue, and therefore in a best case scenario two lanterns from each side should be used. Having said this, smaller theatres with fewer resources use this method to great success with only two lanterns per area of the stage.

A third method, developed before scrollers, was to use three instruments, two on one side and one on the other. Three gel colors were used. The colors in the two lanterns on the one side were picked to be relatively warm and cool in relation to the single color on the other side. For instance colors of pink, blue, and lavender might be chosen. Pink is warmer than lavender and blue is cooler than lavender, so the warm side can be chosen by deciding to use either the pink or the blue lantern. This was also an advantage during the end of a scene or the curtain call on a musical production, where the greatest possible amount of light was often desired and shadows were of little interest. All three lights could be brought to full brightness, producing somewhat unnaturally flat but bright illumination.

Stanley McCandless began devising this system while at Harvard College. He fully developed it following his move to Yale University, which was then near the center of American theatre, in part because many producers of Broadway-bound shows staged opening runs at New Haven's Shubert Theatre in order to assess their wider potential.